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Animus criticandi: Qué difícil es ser un Dios (2013)

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La obra homónima de los hermanos Arkadi y Boris Strugasky -también autores de la novela Picnic al borde del camino, adaptada libremente por Andei Tarkosvky en Stalker (1979) . Le sirve  al fallecido Aleksei German, después de trece años de creación, para estrenar de manera póstuma una obra durísima sobre la tiranía y lo peor de la condición humana.

La película se ambienta en el planeta Arkanar, cuya sociedad está anclada en un periodo histórico similar a nuestra Edad Media. Un lugar donde reina la tiranía, la insalubridad, las injusticias; en definitiva, lo más abyecto. Allí está Don Rumata, uno de los científicos terrícolas que han sido enviados al planeta como observadores imparciales durante la evolución de la sociedad hacia su «particular» Renacimiento. Mientras, Rumata está considerado por muchos como el hijo de Dios, no todos creen en él pero le temen de igual manera.

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Construida mediante largos planos secuencia, Aleksei German, nos lleva a rastras al hediondo fango del planeta Arkanar. La imagen, en un fuerte y constrastado blanco y negro, está en constante movimiento gracias a una cámara libre -como si de un reportaje se tratase-  que circula entre los primerísimos planos de la maraña de los caóticos personajes que pueblan cada escena. Imágenes captadas con grandes angulares que acerca, casi físicamente, ese inframundo. El sonido, grabado previamente en estudio, juega un papel muy importante, conformando un collage de chapoteos, golpes metálicos, lluvia, fuego, sonidos orgánicos, etc.

German logra una película hipnótica durante sus casi tres horas, una experiencia que mejora en pantalla grande. No es necesario el 3D para impregnarte del ambiente, basta con el constante acompañamiento que realiza la cámara a Don Rumata, o los personajes que pululan por las escenas, lanzando constantes miradas cómplices a la cámara como si el director quisiese instar al espectador a reflexionar sobre el terrible espectáculo que está observando.

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Desde aquí, sólo puedo alabar la valiente y extrema puesta en escena, terriblemente cruda: grandes decorados de inspiración medieval, empapados de agua y deteriorados; cuidados hasta al más mínimo detalle. Además, cada secuencia está perfectamente coreografiada, a medida que la cámara se mueve, numerosos personajes entran y salen de plano, o simplemente mientras la escena avanza, el resto de extras o figurantes cruzan delante de la cámara. Una composción de secuencias que recuerda a las pinturas de Peter Brueghel «El Viejo» con la imaginería grotesca de El Bosco.

Esa puesta en escena tiene otra inspiración muy evidente, Andrei Tarkovsky. La presencia constante de los cuatro elementos (tierra, aire, agua y fuego) y la época en la que se ambienta, sumado al uso que hace del blanco y negro, nos retrotrae al siglo XV de la grandiosa Andrei Rublev (1966). Y es que la obra de Tarkovsky fue demasiado grande como para no influir a los cineastas rusos, tanto sus contemporáneos, el caso del fallecido German, como de los venideros.

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En 1964, año del lanzamiento de la novela. Los Strugasky realizaban una crítica al estalinismo -los dos autores, sobre todo Arkadi, vivieron de cerca ese periodo- La obra original ejecutaba un paralelismo entre la oscuridad de ambas épocas: la Edad Media y las persecuciones durante el estalinismo. Ahora, cincuenta años después, la película, que conserva la misma carga de crítica política, religiosa y social, sirve, creo yo, para examinar la situación de la Rusia actual bajo el mandato de Vladimir Putin. Una lástima que Aleksei German ya no pueda responder a esta y a otras cuestiones.

Qué difícil es ser un Dios no es para todo tipo de público, pero aquellos que decidan aproximarse verán una grandiosa representación de una supuesta Edad Media que nos permite aproximarnos a la barbarie sin salir malheridos.

Segundo teaser tráiler de Star Wars VII: The Force Awakens

Aprovechando la Star Wars Celebration Day, se ha lanzado un nuevo teaser del Episodio VII a cargo de J.J. Abrams. Ofrece muchos más detalles que avanzan la trama principal, todavía sin sinopsis oficial.

El estreno mundial es el 18 de enero de este año.

 

 

Festival de Cannes 2015, lista de películas participantes

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Hoy hemos conocido la lita de películas participantes en la edición número 68 del Festival de Cannes. Este año el jurado estará presidido por los hermanos Coen, e Isabella Rossellini hará lo mismo para la sección «Un Certain Regard».

Aquí la lista provisional porque podrían añadirse nuevos filmes a competir.

Inauguración (fuera de competición)

La tête haute [Emmanuelle Bercot]

 

Sección Oficial

Dheepan [Jacques Audiard]

La loi du marché [Stéphane Brizé]

Marguerite et Julien [Valérie Donzelli]

Il racconto dei racconti (The Tale of Tales) [Matteo Garrone]

Carol [Todd Haynes]

The Assassin [Hou Hsiao-hsien]

Mountains May Depart [Jia Zhangke]

Our Little Sister [Hirokazu Kore-eda]

Macbeth [Justin Kurzel]

The Lobster [Yorgos Lanthimos]

Mon roi [Maïwenn]

Mia madre [Nanni Moretti]

Saul fia (Son of Saul) [László Nemes]

La giovinezza [Paolo Sorrentino]

Louder than Bombs [Joachim Trier]

The Sea of Trees [Gus Van Sant]

Sicario [Denis Villeneuve]

 

Fuera de competición

Mad Max: Furia en la carretera [George Miller]

Irrational Man [Woody Allen]

Inside Out [Pete Docter & Ronaldo del Carmen]

Le petit prince [Mark Osborne]

 

Proyecciones de medianoche

Office [Hong Wong-chan]

Amy [Asif Kapadia]

 

Proyecciones especiales

Oka [Souleymane Cisse]

Hayored lema’Ala [Elad Keidan]

A Tale of Love and Darkness [Natalie Portman]

Amnesia [Barbet Schroeder]

Panama [Pavle Vuckovic]

Asphalte [Samuel Benchetrit]

 

Un Certain Regard

Masaan (Fly Away Solo) [Neeraj Ghaywan]

Hrútar (Rams) [Grímur Hákonarson]

Journey to the Shore [Kiyoshi Kurosawa]

Je suis un soldat [Laurent Larivière]

Zvizdan (The High Sun) [Dalibor Matanic]

The Other Side [Roberto Minervini]

Un etaj mai jos (One Floor Below) [Radu Muntean]

Mu-roe han (The Shameless) [Oh Seung-uk]

Las elegidas [David Pablos]

Nahid [Ida Panahandeh]

Comoara (The Treasure) [Corneliu Porumboiu]

Chauthi Koot (The Fourth Direction) [Gurvinder Singh]

Madonna [Shin Suwon]

Maryland [Alice Winocour]

Teaser tráiler de «Spectre» la nueva entrega de James Bond

Sony Pictures ha lanzado, hace apenas unas horas, el primer avance de la entrega número 24 del agente 007, de nombre Spectre, que todavía se encuentra en filmación. Sam Mendes repite como director tras el rotundo éxito de crítica y público que supuso Skyfall, hasta ahora la película más taquillera de James Bond.

Con el tráiler se hizo pública una escueta sinopsis oficicial:

-«Un críptico mensaje relacionado con el pasado de Bond le lleva a descubrir una siniestra organización. Mientras M combate fuerzas políticas para mantener con vida al servicio secreto, Bond va destapando engaños hasta revelar la terrible verdad detrás de S.P.E.C.T.R.E.«

Daniel Craig regresa para encarnar a Bond, también vuelven Ralph Fiennes, Naomie Harris, Jesper Christensen y Rory Kinnear. Además se suman, Léa Seydoux, Monica Belucci y Christoph Waltz, el nuevo villano.

El estreno en España está previsto para el 6 de noviembre.

 

Comparativa, el primer y último plano de 55 películas

¿Qué podemos aprender del primer y último plano de las películas? Esta es la propuesta del montador y creador de este vídeo, Jacob T. Swinney, comparar, de entre 55 películas, el plano de apertura y el de su final. Sin duda, un ejercicio curioso y sorprendente.

Aquí la lista de las películas por orden de aparición:

The Tree of Life 00:00
The Master 00:09
Brokeback Mountain 00:15
No Country for Old Men 00:23
Her 00:27
Blue Valentine 00:30
Birdman 00:34
Black Swan 00:41
Gone Girl 00:47
Kill Bill Vol. 2 00:53
Punch-Drunk Love 00:59
Silver Linings Playbook 01:06
Taxi Driver 01:11
Shutter Island 01:20
Children of Men 01:27
We Need to Talk About Kevin 01:33
Funny Games (2007) 01:41
Fight Club 01:47
12 Years a Slave 01:54
There Will be Blood 01:59
The Godfather Part II 02:05
Shame 02:10
Never Let Me Go 02:17
The Road 02:21
Hunger 02:27
Raging Bull 02:31
Cabaret 02:36
Before Sunrise 02:42
Nebraska 02:47
Frank 02:54
Cast Away 03:01
Somewhere 03:06
Melancholia 03:11
Morvern Callar 03:18
Take this Waltz 03:21
Buried 03:25
Lord of War 03:32
Cape Fear 03:38
12 Monkeys 03:45
The World According to Garp 03:50
Saving Private Ryan 03:57
Poetry 04:02
Solaris (1972) 04:05
Dr. Strangelove 04:11
The Astronaut Farmer 04:16
The Piano 04:21
Inception 04:26
Boyhood 04:31
Whiplash 04:37
Cloud Atlas 04:43
Under the Skin 04:47
2001: A Space Odyssey 04:51
Gravity 04:57
The Searchers 05:03
The Usual Suspects 05:23

 

Recomendación cinéfila: Canciones del segundo piso

Hay grandes películas, buenas, malas y pésimas o lamentables, pero Canciones del segundo piso (2000) es otra historia. Algo diferente, tras el primer minuto uno se da cuenta de que está ante algo especial, una nueva manera de narrar cine.

El sueco Roy Andersson (1943) es el veterano director de esta obra singular y, además, reciente ganador del Festival de Venecia por Una paloma sentada en una rama preguntándose por la existencia (2014), que cierra su trilogía, comenzada por Canciones… y seguida por La comedia de la vida (2007), todas engloban su particula lenguaje fílmico.

La filmografía de Roy Andersson no se puede calificar de prolífica, a pesar de tener 71 años solamente cuenta con 5 largometrajes. Tras alcanzar reconocimiento mundial -bautizado como el nuevo Ingmar Bergman– con su ópera prima, Una historia sueca de amor (1970), pasarían 5 años hasta el estreno de su segundo largo, Giliap (1975), un rotundo fracaso de taquilla por lo que Andersson no volvería a dirigir una película -se convirtió en un prestigioso realizador de spots- hasta el 2000, año del filme que nos ocupa y que convirtió a Roy Andersson en uno de los cineastas más creativos del panorama actual.

Podría incluir una sinopsis pero Canciones… prescinde de toda narrativa cinematográfica tradicional, no hay protagonistas ni antagonistas, ni giros de guión o resolución de la trama. Tampoco existe la edición habitual de plano-contraplano, sino que la cámara se sitúa frente a la escena en un plano general estático, y hace que los personajes entren y salgan del cuadro. Cuadros con decorados construidos, la mayoría, desde cero, falseando la profundidad de campo gracias al «trampe l´oeil», un recurso propio de Meliès y de los albores del cine. Cada escena, o mejor dicho, decorado, funciona al mismo nivel que si observásemos viñetas entretejidas unas con otras, lo que significa que el espectador no sabe hacia dónde será guiado a continuación.

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Los diálogos son una mezcla de trivialidades sin sentido propias de la vida cotidiana con escuetas afirmaciones existencialistas. Gracias a estos se observan las preocupaciones filosóficas de Andersson y que son comunes al resto de sus trabajos fílmicos: el estado de la humanidad, la indeferencia, la capacidad del hombre para el conflicto, la crueldad y el genocidio o la fragilidad humana.

Y los actores, otro sello del director sueco, emplea casi de manera exclusiva a intérpretes amateurs. Se debe a la consideración que tiene de los actores profesionales, cree que están demasiado pulidos o son excesivamente conscientes de sus gestos y de las frases. Además, apenas hay diferencias entre personajes, todos visten de manera similar y llevan el rostro pintado de blanco, aspectos que se relacionan con los intereses de Andersson: señalar que sus personajes se encuentran al mismo nivel, unidos como humanidad. Hay que sumarle una meticulosa y perfecta puesta en escena, diálogos torpes e interpretaciones hiératicas logrando un efecto de extraña espontaneidad.

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Con todos estos elementos juntos, Canciones…, también se convierte en una grandiosa comedia, por eso lo único que puedo hacer desde aquí es impulsaros a ver y disfrutar esta película.

 

Y para terminar os dejo con un cortometraje del propio Andersson, World of Glory (1991), -considerado como uno de los mejores de la historia- que podría dar lugar a un profundo análisis sobre el papel moral del cineasta. (Activad subtítulos).

Animus criticandi: Puro vicio (2014)

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Dicen que las novelas del ermitaño escritor norteamericano Thomas Pynchon son inadaptables a la gran pantalla, de hecho, Puro vicio (de ahora en adelante Inherent Vice, me gusta más), el séptimo largometraje de Paul Thomas Anderson, es el segundo filme que lleva al cine una obra de Pynchon y la primera es un docudrama alemán del 2002 basado en El Arcoiris de gravedad (1973), del que hay muy poca información. Con todos estos antecedentes parece que sólo un grandísimo director, fan de la literatura de Pynchon, podría atreverse con Inherent Vice (2009). Segunda aproximación de Paul Thomas Anderson a la comedia, la anterior fue Punch Drunk Love (2003), ganadora en Cannes a mejor guión. Y, también, su segunda adaptación de una novela tras Oil! (1927) de Upton Sinclair para Pozos de ambición (2007)

La película respeta la historia base de la novela: Los Angeles, 1970, en plena decadencia hippie, un detective «fumeta», Larry «Doc» Sportello (Joaquin Phoenix), recibe la visita de su ex, Shasta Fay (Katherine Waterston), que le pedirá ayuda para encontrar a su amante desaparecido, un acaudalado constructor llamado Mickey Wolfman (Eric Roberts), que trata de reparar todo el mal que ha hecho. A partir de ahí, Sportello, se sumergerá en una trama propia del cine negro.

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Si hay algo por lo que destaca la novela es por su ambientación y el torrente de personajes que circulan por el libro. Thomas Anderson, en cambio, opta por condensar la acción, eliminar lugares y emplazar la historia exclusivamente en la urbe de Los Angeles. No me gusta esta decisión, echo en falta determinados personajes y situaciones que figuran en la obra original, enriqueciéndola, y que podrían haberlo hecho con la película. Ahora bien, comprendo la posición de Thomas Anderson, escapar de la narrativa laberíntica de Pynchon -durante la lectura es fácil perderse si no estás atento- y topar su camino para adaptar Inherent Vice.

Ese camino pasa por los diálogos, en cada escena siempre hay conversaciones entre dos o más personajes, una constante de su cine, la mayoría filmados con primeros planos muy similar al estilo que empleó en The Master (2012), un claro homenaje al cine negro americano de los años 40 y 50. El problema viene cuando esos diálogos no siempre logran captar mi atención. Ni siquiera el humor patético y absurdo, que bebe directemante de la novela, se libra de esa irregularidad mediante momentos ligeramente forzados.

Estamos en los 70, la ola hippie ha terminado pero los personajes continúan viviendo esa resaca, se resisten a renunciar al movimiento que aspiraba a cambiar la sociedad. Sportello, a medida que va avanzando en el caso, si es que se produce, se topará con la verdadera situación que atraviesa el país: movimientos antidemocráticos impulsados por el gobierno, el capitalismo salvaje y la construcción descontrolada, el oscuro negocio de las drogas,… La decadencia está reflejada en la película aunque de una manera menos directa que en la obra de Pynchon, repleta de profusas descripciones. Gracias a la fantástica fotografía en celuloide de Robert Elswit, suavizada por la iluminación del océano o planos a contraluz que le proporciona el tono de fotografía casi velada, permite, por otro lado, transmitir cierto aire alucinatorio.

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La música juega su papel, canciones krautrock, sin temas reconocibles de los setenta, salvo Wonderful World de Sam Cooke (es de 1960) y una partitura minimalista con toques jazz a cargo de Jonny Greenwood. Son elementos que, todos juntos, remarcan la muerte de una época que pudo ser y no fue, otrora llena de vida, psicodelia y sonidos.

Respecto a los personajes y dejando de lado que todo el reparto escogido es excelso, no podía ser de otra manera tratándose de una película de Thomas Anderson; es aquí donde está su aspecto más negativo, la corta presencia en pantalla de muchos  secundarios: Sloane, la mujer del constructor desaparecido, Sauncho, amigo y abogado de Sportello, Hope Harlingen,… No me facilita llegar a al mismo nivel de empatía que, por otra parte, sí que se logra con la novela.

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Realizando una valoración global, incluyendo toda la obra de Thomas Anderson, la considero una película interesante y menor en comparación con sus grandes creaciones como Boogie Nights (1997), Magnolia (1999), Pozos de ambición o The Master.

Me da la sensación de que este tipo de cine lo realiza por una razón. Por ejemplo, después de lo enorme y maravillosa que es Magnolia llegó Punch Drunk Love, amada y odiada a partes iguales, pero sin duda una obra pequeña. Aquí estamos ante una situación similar, en 2012 finaliza The Master, abrumadora, compleja tanto de puesta en escena como de conceptualización, y ahora nos ofrece esta adaptación como desahogo o un pequeño cambio de aires momentáneo, espero que sea así, momentáneo.

Confirmado director para Star Wars Episodio VIII y también spin-off, «Rogue Warrior»

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La maquinaria Disney no para. El gigante multimedia anunció ayer la contratación de Rian Johnson como realizador de la secuela del Episodio VII, que se estrenará a finales de este año. Johnson director de Brick (2005), cine negro ambientada en un instituto americano, y Looper (2012), ciencia ficción, también de ambiente «noir» pero con viajes al pasado. Dos obras muy interesantes. La fecha de estreno, para el Episodio VIII, será el 26 de marzo del 2017.

El spin-off, Rogue Warrior, será una historia independiente de la nueva trilogía. Contará con Gareth Edwards, Monsters (2010) y Godzilla (2014), para la realización, y protagonizada por Felicity Jones, recientemente nominada al Oscar por The Theory of Everything (2014). Disney y Lucasfilm no han anunciado detalles de la trama, aunque se espera que esté ambientada en la lucha de los pilotos de la Alianza Rebelde contra el Imperio, por lo menos así lo hace indicar su título. La filmación comenzará este verano y la llegará a los cines el 16 de diciembre de 2016.

Vía

Entertainment Weekly

 

Animus criticandi: Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia) (2014)

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La carrera de Alejandro González Iñárritu mostraba claros signos de agotamiento, Babel y Biutiful estaban lejos de la maestría de Amores Perros o 21 gramos. ¿Su nueva película seguiría el mismo camino? ¿O su talento como narrador se había esfumado?

Tras un parón cinematográfico de cuatro años, Iñárritu, regresa con Birdman, una película brillante y genial, su mejor obra. Una cinta sobre el oficio de actor y por extensión de cualquier creador o artista que busca la relevancia de su labor.

Michael Keaton encarna a Riggan Thomson, otrora estrella de una taquillera saga de superhéroes llamada Birdman (la referencia está muy clara), que intenta llevar a cabo la representación en Broadway de una obra de Raymond Carver, la cual dirige, interpreta y produce. Mientras, tendrá que lidiar con su voz interior (representada por Birdman), los avatares de la producción y los problemas con su familia y el resto del reparto.

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Ejecutada en un solo plano secuencia, eso sí, editado para falsear la unidad de la toma, hace que Birdman se convierta en un prodigio formal. La historia avanza por los pasillos del teatro a un ritmo frenético, como si se tratase de las interioridades de los personajes; con situaciones desbordantes de ingenio y de excelente comicidad, inédita en el cine del mexicano.

Iñárritu abandona el montaje fragmentado que realizaba con su anterior guionista, Guillermo Arriaga, para apostar por la unidad de la historia facilitando la fluidez de las situaciones. Se libera de los precisos guiones de su compatriota para lanzarse a una nueva etapa como narrador. Eso sí, mantiene una de sus señas de identidad: los personajes atormentados en constante lucha vital.

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Se produce algo curioso respecto al guión de Birdman y es que toda la producción se llevó a cabo sin improvisación de ningún tipo, en cambio, transmite todo lo contrario, da la sensación de ser una obra llena de libertad creativa, tanto del director como de los intérpretes. Quizás la excelente banda sonora puede que me haya ayudado a realizar esa apreciación, porque durante gran parte del filme las acciones vienen acompañadas por un agitado solo de batería, a ritmo de free-jazz, la que es, sin duda, la mejor opción musical y capaz de eliminar cualquier pretenciosidad de las imágenes, algo de lo que adolecían sus dos últimos trabajos.

Tanto la forma y el fondo de la película cargan la mayor parte de su peso en unos actores fantásticos. Michael Keaton renace para interpretar a un personaje hecho a su medida, Edward Norton en un papel genial, Naomi Watts,Emma Stone, Zach Galifiniakis y demás intérpretes están a un nivel excelso.

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Birdman tiene una relación muy próxima con el presente siendo, además, muy crítica; Twitter y la viralidad en Internet, Youtube o la repercusión instanánea que se obtiene a través de esas plataformas, los blockbusters de superhéroes y sus interminables sagas, dardos envenenados hacia los críticos, publicistas e incluso célebres compañeros de profesión.

Emmanuel Lubezki es el artífice, sin olvidar a Iñárritu, de que todo el dispositivo técnico brille a un nivel soberbio. Los juegos de luces dentro del teatro, en la calle o los propios decorados de la representación son fabulosos, de una ejecución técnica complejísima y, además,  el magistral uso de la cámara desencadenada que se comporta como un personaje más. Todo lo mencionado bien le puede valer su segundo Oscar consecutivo, es mi principal apuesta para esa categoría.

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Este nuevo camino de Iñárritu promete grandes cosas.

Animus criticandi: Hedwig and the Angry Inch (2001)

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Dentro del cine independiente americano encontramos, no hay duda, historias mucho más sorprendentes, arriesgadas y estimulantes que en los circuitos habituales. Hedwig and the Angry Inch personifica esto a la perfección.

Adaptación a la gran pantalla del exitoso musical, de mismo nombre, que surge en los escenarios alternativos de Broadway (sí, también ahí hay círculos independientes). John Cameron Mitchell, autor del libreto y protagonista en las dos versiones, se pone detrás de las cámaras para dirigir de manera excelente este exótico musical.

El argumento se centra en Hedwig, un transexual con vocación de estrella del rock, nacido en Alemania Oriental bajo el nombre de Hansel. Abandonó el país al casarse con un marine americano, sin embargo la operación de cambio de sexo a la que se sometió, salió mal, provocándole una pulgada irritada («angry inch») que lo dejará en la indefinición sexual física. Ya en América, conocerá a otra persona, Tommy, un joven que será su amante y protegido, interpretado por Michael Pitt, que le robará sus canciones y la fama que él pretendía. Mientras, Hedwig, seguirá a Tommy con su propio grupo, The Angry Inch, tocando en locales y restaurantes casi vacíos.

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Hedwig es un personaje derrotado por el pasado y así lo recuerda en cada actuación inundando los locales con su glamour y divismo, como si de un David Bowie se tratase, bajo capas y capas de maquillaje y ataviado con una peluca a lo Farrah Fawcett. «El 13 de agosto de 1961 se levantó un muro en Berlín. El mundo estaba dividido por una guerra fría y el Muro de Berlín era el símbolo más odiado. Injuriado, grafiteado, escupido. Pensamos que el muro estaría ahí para siempre, pero ahora que ya no está, ya no sabemos quiénes somos». Esta introducción, la primera canción de la película, no responde a la casualidad. Que Hedwig venga de un país marcado por la división física representa en lo que se ha convertido, alguien a medio camino del sexo: no es hombre, ni tampoco mujer; atado a sus recuerdos, esclavo de su pasado y difícil de derribar. Pronto nos daremos cuenta que no es más que un refugio de su verdad y cómo al avanzar la película descubrimos todos los significados ocultos. Seguramente, sin la brillantez de las canciones a ritmo de rock, podría resultar superficial, amén a las fantásticas letras llenas de mensaje que permiten a Hedwig liberarse y, a nosotros, conocer todo sobre él.

La obsesión por perseguir a su anterior amante, el cantante de éxito Tommy Gnosis, le llevará a perderlo todo poco a poco, el grupo, la relación con los integrantes y hasta el glamour, la peluca y las capas de maquillaje. Resurgirá, aunque ya no será el mismo.

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Estamos ante una ópera rock, o por lo menos a un homenaje a ese subgénero musical. Con muchos elementos comunes de otras célebres óperas rock como Tommy de The Who, o The Wall de Pink Floyd. En ellas, ambos protagonistas están marcados por su pasado, entretanto se enfrentan a esos recuerdos, que se nos muestran a modo de flashbacks o recreaciones animadas de carácter símbolico. Hedwig and The Angry Inch comparte algunos de estos aspectos.

En Tommy, el personaje principal carecía de la vista, el oído y el habla, como Hedwig  tiene una «herida» física que lo condiciona. Aunque quizás es The Wall la que tiene mayor relación con Hedwig, ya que el protagonista es un cantante de un grupo de rock, marcado por una serie de traumas asociados a la severa educación recibida durante la infancia, ante eso sólo encontrará salida en las drogas y la violencia. Difieren, es cierto, Hedwig no consume drogas y la educación no es lo que le causó traumas, sino las relaciones con sus seres amados, sin embargo los daños que causados por el pasado están muy presentes condicionando ambas personalidades.

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Respecto a la realización, no da la sensación, en ningún momento, que Cameron Mitchell sea un novato. Conduce la película con un ritmo firme y domina todos los recursos. Una realización pausada dentro de los recuerdos combinando encuadres e iluminaciones expresivas. Reserva la dirección y el montaje eléctrico para los conciertos que, a su vez,  rememoran a las realizaciones empleadas para las actuaciones en vivo.

En definitiva, es una propuesta novedosa y una excelente película musical. Lo único que se puede lamentar es que no tenga la proyección pública que se merece.

Animus criticandi: La LEGO película

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«Everything is awesome» (Todo es fabuloso) es la pegadiza canción que los habitantes de Ladriburgo, incluido el protagonista Emmet, cantan mientras viven sus rutinarias vidas marcadas por las instrucciones para «triunfar» en ella siendo lo más normal y feliz posible, bajo la omnipresencia del carismático y déspota líder del Mundo, el Presidente Negocios. Así comienza una sorprendente película de animación bajo el universo LEGO.

Emmet, una figura LEGO normal que vive de manera normal e ingenua según lo que es normal en su mundo, hasta que es confundido como el Maestro Constructor que salvará al mundo. A partir de ahí entrará en una épica aventura junto a una pandilla de desconocidos que lo conducirán por lugares extraños para él.

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Lo que se puede presentar como una cinta de animación más, con el único objetivo de promocionar las figuritas LEGO y seguir la estela de la animación en 3D infantil y colorida, es algo más. Para empezar, encierra numerosos elementos del género de acción y aventuras: el destino y las profecías, malos muy malos, discursos alentadores, persecuciones,…Todas estas piezas comunes de ambos géneros se suceden, pero los dos directores, Phil Lord y Christopher Miller son capaces de revertir estas situaciones introduciendo más y más referencias populares. Por ejemplo, Batman es uno de los personajes principales, Gandalf, Shaquille O´Neal, Linterna Verde -muy divertida su corta presencia-, Superman, entre otros muchos héroes. Todos introducidos en ambientes inesperados, repletos de diálogos descarados y unidos por relaciones imaginativas en un mundo sin reglas. Lo que se contrapone de maravilla a la ciudad del comienzo, gobernada por normas autoritarias bajo el Presidente Negocios con su «matón» principal, un policía que es poli bueno y poli malo y viceversa con un simple giro de cabeza. Ésto ejemplifica cómo La LEGO película basa sus puntos fuertes en descontextualizar y deconstruir situaciones típicas de géneros cinematográficos.

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Cada ingrediente que se añade a la trama principal, como que la vida feliz de los habitantes de Ladriburgo es engañosa, personajes con contradicciones y al final tendremos otra interpretación de lo ofrecido en conjunto. Es decir, muy pocas cosas son lo que parecen.

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Visualmente demuestra mucho ingenio, capaz de combinar lo espectacular de las persecuciones y explosiones con detalles más minimalistas, que sirven de homenaje a las figuras y universo LEGO. El referente más cercano que podemos relacionar, en el ámbito visual, es Rompe Ralph! (2012) o Pánico en la granja (2009). Lo que nos demuestra el vínculo con estas películas es, por ejemplo, el uso de llamas y láseres de plástico para representar una explosión o un tiroteo, con lo que se descontextualiza hechos violentos o explícitos y mantiene la línea de la película, la descontextualización

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A pesar de contar con un mundo, digamos, prefabricado los realizadores son capaces de ingeniársela para, respetando la esencia LEGO, proporcionar otros significados como si de verdad estuviesen jugando con las figuras LEGO.

Aunque con el doblaje al castellano no se note, la versión original cuenta con voces de actores reconocibles, Morgan Freeman, Liam Neeson, Will Ferrell,… cada uno haciendo guiños a sus papeles más célebres de sus correspondientes carreras.

Mención aparte merece su final, (quizás alargado en exceso unos minutos y ya da por sentado su secuela) donde todas las piezas encajan, perdón por el chiste, pero es así. Queda claro que es una película homenaje, primero al universo LEGO y por extensión a todas las personas que disfrutaron o siguen disfrutando con las figuras LEGO, imaginando y construyendo. «Everything is awesome».

Animus criticandi: Interstellar

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Interstellar, el noveno largometraje de Cristopher Nolan, representa un cambio en la carrera del director británico. Deja atrás la oscuridad y las temáticas centradas en las obsesiones de personajes atormentados para expandir la historia hacia lo más profundo del espacio.

Tras nueve películas y recaudaciones millonarias, no hay duda que Cristopher Nolan ya no es sólo un mero director comercial con su sello particular, sino que transciende hasta la categoría de creador cinematográfico de culto, que no pierde de vista la vertiente comercial de sus obras. Esa etiqueta conlleva que todas sus películas tengan las mismas legiones de detractores como de admiradores.

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Estoy seguro que Interstellar acentuará esta situación, hasta un punto nunca visto en la filmografía de Nolan, ¿los motivos? Es un trabajo muy ambicioso, más profundo de lo que aparenta, personal y sentimental, lleno de conceptos físicos e irregular en sus casi tres horas de metraje, sin embargo, por encima de todo, ofrece un viaje hacia lo más profundo del cosmos como muy pocas veces hemos visto y que compensa, en buena medida, cualquier consideración negativa que se pueda hacer.

Inspirada por el trabajo del físico teórico y divulgador Kip Thorne, el argumento de la pelicula nos sitúa en la Tierra incapaz de sostener a la raza humana convertida en una sociedad agraria, las cosechas son asoladas por las plagas y las constantes tormentas de arena; la ciencia y sus enesñanzas han dejado paso a la burocracia mientras los hombres se resignan o se desplazan en busca de un lugar mejor. Cooper (Matthew MacConaughey), un expiloto de pruebas de la NASA, padre de familia viudo, ingeniero convertido en granjero, cuida de su familia: su suegro, Donald; su hijo mayor Tom y Murphy, su hija de diez años, con la que mantiene la relación más cercana y se convertirá en el pilar de la historia.

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En esa primera mitad, la presentación del contexto, nos topamos con los momentos de mayor debilidad del filme. No se ofrece una visión global del problema en la Tierra, se halla excesivamente condensada en esa pequeña familia americana y los datos que nos permiten formar el entorno dan la sensación de estar calculados para ofrecer la información justa en unos diálogos, por momentos, forzados. Pero conviene recalcar las bondades que hay en este comienzo, y es que encontramos referencias directas a Encuentros en la tercera fase (1977) y a The Dust Bowl, una serie de tormentas de arena que asolaron el Medio Oeste americano en los años 30 provocando el éxodo masivo de granjeros, su presencia en el filme nos remite a Las uvas de la ira (1939).

Como largometraje de madurez, Nolan, incorpora la mayor carga emocional, y es la primera vez en la cual presta atención al sentimiento de la historia buscando la complicidad con el espectador, a través de la cercana relación entre padre e hijos (más con su hija pequeña) y cómo éste tratará de hacer lo que sea necesario para salvar sus vidas, incluso viajar hasta un agujero negro. Para muchos, me incluyo, podría ser otro aspecto irregular o débil, en cambio está resuelto de una manera muy sólida y, como dije, es la llave que articula todo el sentido de la historia. Bajo este punto se puede reflexionar sobre los grandes autores de ciencia-ficción, Isaac Asimov y Arthur C. Clarke, por focalizar en los más célebres, y cómo éstos carecían de esa vertiente humana en detrimento de una profusa descripción de las maravillas tecnológicas o los asombrosos lugares de la galaxia, descuidando así la evolución de los protagonistas como personas dentro de la historia. Nolan, creo yo, consciente de esas carencias intenta superar la tradición tan habitual en la ciencia-ficción introduciendo elementos emotivos no como un adorno sino como una base que da paso a la ciencia-ficción.

Antes de partir al espacio, como marca de la casa, las explicaciones sobre lo que ocurrirá se suceden con el objetivo de preparar y asentar el mecanismo de la historia restante. No entro a valorar si son correctas, excesivas o innecesarias, únicamente digo que en este caso son conceptos físicos complejos incluso para los estudiosos, además es cine comercial y a Nolan le importa el público. Como ya hizo en Inception, película que empleaba el espacio de los sueños como un lugar que le permitió configurar un thriller de acción, no sin antes establecer de manera muy clara las reglas de su película con abundantes explicaciones, más numerosas que en Interstellar.

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Interstellar muestra todo su carácter en el viaje espacial, la llegada y posterior entrada en el agujero negro supermasivo, el recorrido por los planetas que deben explorar para encontrar un lugar apto y poder comenzar de nuevo con la humanidad. Todo se convierte en una verdadera aventura espacial, adornado por las fantásticas referencias a 2001: una odisea del espacio.

Forman junto a un excelente y renacido Matthew MacConaughey, un reparto solvente, con Anne Hathaway que le acompañará en la expedición, Michael Caine el profesor impulsor del viaje espacial, Jessica Chastain, Cassey Affleck y Matt Damon. Estos últimos conviene que descubráis vosotros qué papel juegan.

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Las historias dentro de otras, son constantes, forma parte de su manera de entender el cine, mediante montajes paralelos y a medida que nos acercamos al desenlace aumentan su presencia y convierten la película en un carrusel de sensaciones.

No hay adjetivos para definir el poderío visual y la capacidad que tiene para poner en escena teorías físicas sobre relatividad temporal, agujeros negros, supergravedad, el hábitat de los planetas sometidos a la masa de un agujero negro, y más detalles que conviene no desvelar. Todo respeta en gran medida sus leyes físicas gracias al excelente trabajo realizado con Kip Thorne y los diferentes supervisores científicos.

Siguiendo con el aspecto visual, Nolan cree en el cine como espectáculo y sabe que sus películas se disfrutan al máximo en un sala de cine. No es casualidad que siga apostando por el celuloide en formato IMAX capaz de ofrecer la máxima calidad de imagen y conservar el «grano» de la exhibición cinematográfica más clásica. Sin olvidar el buen trabajo de Hans Zimmer para la banda sonora, con una partitura más minimalista y adaptada al ambiente espacial, aunque mantiene los fragmentos intensos habituales de sus colaboraciones con Nolan en los momentos de suspense.

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Me detengo aquí, no quiero destripar más ni condicionar el visionado, lo único que añado es que vayáis al cine, el mejor lugar para verla, allí intentad disfrutad de este viaje con un final redondo y donde la palabra interestelar cobra todo su significado.