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Animus criticandi: ¡Ave César! (2016)

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Tras Inside Llewyn Davis (2013), Joel y Ethan Coen regresan a la comedia con ¡Ave César! ambientada en el Hollywood de los años 50, en la Edad de Oro de los estudios, mientras se rueda una superproducción sobre la vida de Cristo protagonizada por la gran estrella Baird Whitlock (George Clooney) hasta que esta es secuestrada. A partir de aquí seguiremos las frenéticas 24 horas de Eddie Mannix (Josh Brolin), el solucionador del estudio y hombre profundamente religioso, encargado de que la producción llegue a buen puerto, además de lidiar con los problemas que surgen en el resto de rodajes llevados a cabo por Capitol Pictures, los que recuerden Barton Fink (1991) les sonará este nombre.

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¿Quién es Dios? Esta es la pregunta que Eddie Mannix lanza al consejo formado por la cúpula de los cuatro credos mas representativos para la sociedad americana. La idea de esa reunión es conocer si en el guión de ¡Ave César! se encuentran elementos erróneos sobre la representación de Cristo en la pantalla y  si es posible llegar a una conclusión unánime sobre su figura. La situación derivará en una discusión sobre qué representa el Mesías para cada religión con los diálogos marca de la casa cargados de sátira y fina ironía. Este ejemplo marca el tono de toda la película, la apuesta por el humor a base de ingenio y las dobles lecturas frente a la carcajada del gag, como sí ocurría en sus anteriores comedias: Crueldad Intolerable (2003), Ladykillers (2004) o Quemar después de leer (2008), por supuesto, no descuidan las situaciones estrepitosas y casi surrealistas que siempre han dominado sus comedias.

En el desarrollo de la historia principal, la búsqueda de la estrella secuestrada, surgen subtramas donde los secundarios se enfrentan a las dificultades surgidas durante las filmaciones, permitiendo a los Coen reconstruir de forma paródica el comportamiento de los estudios y de sus estrellas. Por ejemplo Ralph Fiennes que encarna a Laurence Laurentz, un afamado director de dramas, que deberá soportar, por exigencia del estudio, a la estrella de los westerns Hobbie Doyle (Alden Ehrenreich) un actor incapaz de articular correctamente una línea de diálogo o DeeAnna Moran (Scarlett Johansson) la cual tendrá un problema con su embarazo por su condición de mujer soltera.

Los Coen no se centran exclusivamente en los comportamientos de las estrellas, esa parodia llega inclusive hasta las propias películas. La superproducción de romanos protagonizada por Baird Whitlock tiene a Ben-Hur (1959) como referencia más directa, Hobbie Doyle protagoniza westerns que homenajean a la serie de El Llanero Solitario  y a los westerns en color de John Ford, también las películas acuáticas de Esther Williams y los musicales de Gene Kelly. Lo mejor de esas recreaciones es el elevado grado de detalle para que resulten lo más fieles posibles. Un ejemplo muy claro lo tenemos al comienzo de la película, en el rodaje de ¡Ave César! la iluminación dispuesta en el set de rodaje, que incluso un plano nos deja ver los focos, hace que sea un calco perfecto de la fotografía original que tenían muchas de las películas de romanos, la mencionada Ben-Hur, Quo Vadis (1951), Espartaco (1960) o La túnica sagrada (1953).

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Esa representación que realizan los Coen sobre los estudios y Hollywood es también un lugar donde las estrellas ocultan comportamientos, sexuales o políticos, considerados en la época indecentes y/o ilegales como la homosexualidad o el comunismo. Un exquisito e intencionadamente hortera número musical, protagonizado por un sorprendente Channing Tatum, caricaturiza la homosexualidad latente que existía en esos bailes y canciones. Por otro lado la causa comunista en plena «caza de brujas» tiene un peso clave en el avance de la trama principal, pero me detengo aquí para no realizar más spoilers.

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¡Ave César! tiene un único problema y es la sensación de levedad e intrascendencia que transmite una vez terminada la película, a pesar de tratar temas de calado y narrarlo con la maestría habitual. Bajo mi punto de vista, el causante puede estar en la propia concepción del filme y que provoca esa sensación tras su visionado, porque no estamos ante un fallo de guión o unos personajes planos.

Como consecuencia debemos dejar a ¡Ave César! fuera de las otras grandes películas de los hermanos Coen.

 

 

 

Animus criticandi: The Revenant (2015)

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Hace un año, más o menos, Birdman (2014) mostraba el excelente momento creativo de Alejandro González Iñárritu, certificado por cuatro Oscars (mejor fotografía, guión, director y película) y se intuía un apasionante futuro de nuevos proyectos, pues bien, su nueva película no hace sino dejar claro que en Hollywood, actualmente, hay muy pocos como él.

Antes de comenzar cualquier análisis conviene decir que, tras ver toda la filmografía del director mexicano, The Revenant ofrece las señas de identidad más importantes de su cine, por ejemplo el sufrimiento humano (explorado ampliamente en Amores Perros, 21 Gramos, Babel  o Biutiful) así como la pericia técnica desplegada en Birdman con el serio respaldo de Emmanuel Lubezki, por lo que rompe definitivamente con esa imagen feísta de sus primeros trabajos.

Desde mucho antes del estreno de The Revenant se sabía que el argumento no iba a ser el más original del mundo: Hugh Glass (Leonardo DiCaprio), un explorador, y su hijo mestizo participan en una expedición de tramperos a la búsqueda de pieles, hasta que el ataque de una osa le deja gravemente malherido y en su agonía es abandonado por su compañero John Fitzgerald (Tom Hardy), el dolor y las ansias de venganza le permitirán sobrevivir para consumar su objetivo. Huelga decir que ahí no está su genialidad, esta reside en la aproximación a la acción, visceral y sin concesiones, haciendo el uso más inteligente de los efectos digitales y visuales que he visto en mucho tiempo. Al igual que en Birdman la cámara navega entre las escenas perfectamente coreografiadas realizando complejísimos movimientos: planos secuencia, travellings, grandes planos generales y primerísimos planos de los actores, esto último añade una sensación de tridimensionalidad y cercanía redondeada por dos interpretaciones magistrales a cargo de DiCaprio y Hardy que confluyen en un desenlace maravilloso.

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En medio de tanta dureza hay espacio para momentos líricos llenos de carga simbólica que homenajean a Andrei Tarkovsky o Terrence Malick. Curiosamente, debido a la naturaleza de la narración, estos momentos podrían no haber funcionado pero están escogidos con precisión y surgen desde los recuerdos, alucinaciones o ensoñaciones del protagonista por lo que tienen sentido dentro del conjunto de la película.

THE REVENANT Copyright © 2015 Twentieth Century Fox Film Corporation. All rights reserved. THE REVENANT Motion Picture Copyright © 2015 Regency Entertainment (USA), Inc. and Monarchy Enterprises S.a.r.l. All rights reserved.Not for sale or duplication.

Si a través de la realización y las interpretaciones logra sumergirte en ese sufrimiento, seguro que si no hubiese sido filmada en remotos parajes naturales el resultado hubiese sido muy diferente. The Revenant recupera la tradición que Hollywood desterró tras esa generación de cineastas que revitalizó a una industria moribunda, hablo de Michael Cimino, Francis Ford Coppola, William Friedkin, etc. Y me refiero a esos complejos rodajes en exteriores con poco control donde se obtienen unos enormes beneficios a nivel artístico.

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Si no lo había hecho con anterioridad ahora no hay dudas, Emmannuel Lubezki, el director de fotografía, entra de lleno en la historia del cine, así de simple, la belleza de las imágenes iluminadas exclusivamente por la luz natural hace que el cine digital dé un paso adelante uniendo el enorme grado de detalle, que se obtiene con las nuevas cámaras, al innegable logro estético que supone. Hay más magia en un diálogo entre dos personajes a la luz de una hoguera que en cualquier blockbuster reciente inflado de efectos digitales.

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Y ya para terminar, me gustaría hacer un comentario sobre la valoración común de las críticas menos favorables hacia The Revenant, en ellas se dice que es una película con una factura técnica brillante y de bellas imágenes pero que no logra contagiar emoción, sin duda un argumento inútil para valorar una película, emplear una cualidad tan subjetiva con la intención de no profundizar más en las causas de por qué el filme no gusta demuestra una dejadez preocupante. Mi consejo es que no les hagan caso y vayan a verla.

Animus criticandi: Star Wars Episodio VII: El despertar de la fuerza (2015)

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*Crítica sin spoilers

La originalidad al poder, tirando de ironía este podría ser el título de la crítica sobre la última y esperadísima entrega de Star Wars. Porque más allá de un guión pobre, un casting inadecuado y el resto de defectos que se puedan extraer, su pecado más grave es la falta de originalidad con la excusa de la nostalgia.

La historia se sitúa treinta años después de los sucesos del Episodio IV, la victoria de la Alianza Rebelde sobre el Imperio y la destrucción de la segunda Estrella de la Muerte. De nuevo la Galaxia se encuentra en guerra contra la Primera Orden, una organización surgida de las cenizas del Imperio, con el objetivo de eliminar la nueva República. Durante el desarrollo de la historia seguiremos a nuevos personajes que se sumarán a la Resistencia encabezada por los héroes de antaño Leia Organa, Han Solo o ChewbaccaPoe Dameron (Oscar Isaac) un piloto de caza en la búsqueda de pistas sobre el misterioso paradero de Luke Skywalker,  BB-8, un androide rodante (el R2-D2 de la nueva generación), Rey (Daisy Ridley), una chatarrera del planeta desértico Jakku (sospechosamente similar a Tatooine) y Finn (John Boyega), un desertor del ejército imperial. Todos tratarán de acabar con la nueva amenaza.

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El transcurrir de la película no nos va a dar información sobre esa nueva República amenazada por la Primera Orden, desconocemos el porqué está tan intimidada como para necesitar de una Resistencia o, por ejemplo, quién es el Canciller, nada, tan solo se ofrecen unos cuantos planos que muestran un suceso que les ocurrirá a los cuatro planetas que conforman la República.

Las muestras de falta de ideas comienzan pronto y para sorpresa de todos la Primera Orden no tiene una Estrella de la Muerte, sino un planeta entero convertido en una base militar con un nuevo rayo mortífero, así que por tercera vez los malos de Star Wars vuelven a intentarlo con una estructura similar a la Estrella de la Muerte, para que la Resistencia se vea en la obligación de destruirla encontrando su punto débil. A partir de aquí la película, agonizante, muere. Toda la culpa la tiene un guión donde predominan situaciones copiadas y pegadas de la primera trilogía, una falta de explicaciones alarmante sobre el contexto político y un baile de secundarios que parecen pulular por la historia en función de los intereses de los guionistas.

Star Wars: The Force Awakens Captain Phasma (Gwendoline Christie) Ph: David James ©Lucasfilm 2015

Es cierto que a nivel técnico y como se espera de este tipo de superproducciones no hay queja y aunque J.J. Abrams no es santo de mi devoción realiza una buena labor llevando la película con mucho ritmo, realizando composiciones paisajísticas muy logradas (que apenas duran 5 segundos antes de pasar a otra toma), así como elaborados movimientos de cámara durante las escenas de acción. En cambio, esta pericia técnica viene acompañada por una enorme falta de emoción y de sensación a déjà vu. Ni los duelos a sable láser, ni mucho menos el nuevo villano Kylo Ren logran emocionar a este humilde fan de Star Wars. A partir de este punto es donde irremediablemente deben entrar las comparaciones con las anteriores películas, en concreto con la nueva trilogía.

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La respuesta es que el Episodio VII no representa ningún salto de calidad ni de avance en el universo Star Wars, un universo inmenso donde se pueden crear historias casi sin querer, otra cosa es que Disney te lo permita. Tanto el Episodio I: La amenaza fantasma (1999) o el Episodio III: La venganza de los sith (2005) son grandes expansiones del universo Star Wars. Por razones obvias dejamos el Episodio II: El ataque de los clones fuera de la comparación siendo la película de Abrams muy superior a la fallida entrega del año 2002. Pero volviendo a lo que nos ocupa, si escogemos como objeto de comparación el Episodio I, vemos que dispone de una historia y un guión mucho más redondo: se aclara el contexto político del conflicto, las relaciones y las motivaciones de los personajes están muy logradas y abundan los elementos que enriquecen la película y por extensión de todo el universo Star Wars: las carreras de vainas, los droides, Coruscant, Darth Maul y el sable láser de doble hoja, etc. Para mí no hay duda, es superior al Episodio VII y lo mismo ocurre con La venganza de los sith.

Ahora ya es tarde, pero mi deseo inicial al conocer que llevarían otra vez el universo Star Wars al cine era que, por lo menos, superasen los errores cometidos por George Lucas en la anterior trilogía, es decir, un excesivo predominio de los efectos digitales o la desidia en la realización y dirección de actores y que las nuevas entregas integrasen novedades importantes estableciendo los pilares para una fructífera saga. Ni una cosa ni la otra, el Episodio VII representa una desilusión.

 

 

 

 

 

El reto de las lentes más extrañas del mundo

El canal de youtube de Mathieu Stern se ha propuesto buscar las lentes más extrañas y extravagantes. Estos experimentos van desde una cámara de plástico de los años 50, pasando por un objetivo de 180º o una lente con más de 100 años. El resultado de todas estas pruebas es curioso y estimulante de cara a utilizarlas para obtener efectos visuales fascinantes y naturales en cualquier producción.

Akira Kurosawa y la composición en movimiento (vídeo en inglés)

Navegando por Internet y gracias al brillante portal No Film School, una web referencia para todo aquel que esté interesado en el audiovisual, me topé con un excelente vídeo análisis sobre Kurosawa y su capacidad para componer la escena a través del encuadre, del movimiento de la cámara o de los actores dentro del plano. Con todo esos elementos es capaz de ofrecer la información necesaria al espectador sobre cada personaje y situación.

Fuente.

Teaser tráiler de «The Revenant» de Alejandro González Iñárritu

Hoy se ha desvelado el primer avance de The Revenant el nuevo trabajo del oscarizado director de Birdman.

Basada en la novela homónima de Michael Punke y a su vez en un personaje histórico, Hugh Glass. La historia se sitúa en 1820, un hombre que vive en las montañas resulta herido de muerte por el ataque de un oso. Viendo que nada pueden hacer por él, sus compañeros lo abandonan en el bosque. Pero sorprendentemente se repone de sus heridas y trata de vengarse de quienes lo abandonaron a su suerte.

Este primer avance es fantástico y quién sabe si estamos de nuevo, como ocurrió con Birdman, ante una nueva triunfadora en los Oscars. Habrá que esperar.

Leonardo DiCaprio y Tom Hardy encabezan el reparto. La fecha de estreno en España será en febrero de 2016.

Ánimus criticandi: It Follows (2015)

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«Está justo detrás de ti«

René Philippe Vilmont, vidente televisivo.

Se puede afirmar que el cine de terror, junto a la ciencia-ficción, siempre ha gozado de buena salud frente a otros títulos de género, véase el western. Actualmente, la tendencia del horror es recuperar todos los elementos anteriores, impulsados por la nostalgia de un pasado mejor y seguramente más original, con la idea de componer pastiches donde el terror psicológico se mezcla con el gore o lo sobrenatural y los «hechos reales» logrando franquicias rentables; las interminables sagas de Saw y Paranormal Activity así lo demuestran. Por otra parte, conviene ser justos, el cine de terror siempre se ha caracterizado por producir interminables secuelas desde Pesadilla en Elm Street (1984), Poltergeist (1982), Viernes 13 (1980) o Halloween (1978). Así, ante esta situación, queda poco margen para crear un filme de terror original y para ello tendremos que acudir, como siempre, al cine independiente. Ese es el caso de It Follows (2015).

It Follows parte de una propuesta claramente referencial para, finalmente, proponer un filme de terror lejos de los manidos modelos anteriormente comentados.

David Robert Mitchell, el director y guionista, ambienta su historia en los mundanos barrios residenciales de la decadente Detroit donde la protagonista, tras mantener su primer encuentro sexual, recibirá una maldición que le hará ser perseguida por seres caminantes hasta la muerte y la locura, salvo que la transfiera a través de otro acto sexual.

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En manos de otro director podría haber resultado un slaher clásico y bochornoso, lleno de clichés: la ambientación en los suburbios, protagonistas adolescentes, la primera experiencia sexual, el grupo de amigos como espectadores confusos ante los sucesos de la protagonista,… pero es en la puesta en escena donde Robert Mitchell marca la diferencia.

La atmósfera está envuelta en un ambiente atemporal, en ningún momento se aclara la época. Detalles como los vehículos, los televisores o ciertos elementos del hogar nos retrotraen a los setenta y ochenta, aunque a diferencia de los referentes estéticos y cinéfilos de esa época, Mitchell, huye de los tratamientos irónicos y humorísticos hacia lo poético y reflexivo.

El comienzo, con un fabuloso plano secuencia filmado con una panorámica de 360º, demuestra el tono que predominará en el resto del filme. Por ejemplo el uso del zoom, que acentúa la sensación de amenzaza y seguimiento constante hacia los personajes, simulando puntos de vista o acercamientos, todo ello dentro elaborados planos secuencia. Además, el empleo de angulares cerca de los actores, lo que nos permite contemplar los fondos y estar alerta ante la posible presencia de los perseguidores de la protagonista. Y una iluminación cuidadísima donde destaca la de los interiores nocturnos.

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Con apenas 2 millones de dólares, muy poco dinero para los estándares americanos, logra camuflar todas las deficiencias presupuestarias a base de saber hacer y sin el predominio de efectos visuales, manteniendo una tensión constante y escasos golpes de efecto muy bien medidos sin recurrir a los clásicos sustos. Sin duda me recuerda a la excelente Déjame Entrar (2008), aunque esta última es superior.

Sorprende también que el grupo de actores, sobre todo la protagonista, encarnada por Maika Monroe, siendo tan jóvenes y llevando el peso de la película realicen un trabajo tan consistente basado en unos personajes inteligentes y creíbles, en las Antípodas de los tópicos del género, ya sabéis, el jugador de fútbol americano, la chica más popular del instituto y el negro gracioso que va a morir al comienzo.

It Follows es cine de terror inteligente y estimulante, hará la delicias de los aficionados al cine de terror y para aquellos que no lo clasificamos en categorías tan estancadas es una cinta muy interesante que pondrá a David Robert Mitchell, con mucha justicia, en el escaparate hollywoodiense.

Otra colección de enlaces apasionantes

Vuelvo para entregaros una serie de enlaces verdaderamente interesantes, que merecen un lugar en este blog y a modo de celebración por los 3 años del blog. ¡Qué rápido pasa el tiempo!

Jeff Bridges es un gran actor, eso está fuera de toda duda, incluso está considerado como un notable músico country y siempre le ha gustado diversificar sus actividades culturales en la pintura o la escritura, pero desconocía su brillante faceta de fotógrafo. Durante los últimos 35 años, Bridges, con una vieja Widelux F8 panorámica, ha inmortalizado, en blanco y negro y de forma extraordinaria,  momentos durante los rodajes en los que ha participado, recopilados por el portal cultural Airows. En su cuenta de twitter también hay más fotos.

-La edición especial del Blu-Ray de Interstellar trae consigo el making of de su controvertido final lo que nos permite observar el reto técnico que supuso su ejecución y gracias a este ususario de Vimeo todos podremos verlo. AVISO: SPOILERS.

-Para un apasionado de la cinematografía como yo, toparme con una página como Harmonica Cinema no tiene precio. Una web basada en el análisis de películas desde el punto de vista de la dirección de fotografía, con todos los aspectos y datos técnicos necesarios, así como una reseña profesional del director de fotografía y en castellano, algo de agradecer dado el aspecto técnico del vocabulario. Además, contiene una guía de las principales lentes para cámaras de cine y un repaso histórico a los formatos cinematográficos. Sin duda, una página fantástica para aprender sobre cinematografía.

-A modo de curiosidad, el portal Premium Beat nos ofrece una lista con las diez lentes más asombrosas y caras de la historia, como la famosa Carl Zeiss de baja luminosidad empleada por Kubrick en Barry Lyndon (1975) o la lente Nikon con el mayor campo de vision del mercado.

-El blog del portal de cine IndieWire, Press Play, ha recopilado, en un vídeo de 3 minutos, las principales referencias visuales de toda la filmografía de Quentin Tarantino junto con sus fuentes originales, realizando una comparativa para comprender más sobre el peculiar universo de Tarantino.

-Y para terminar, os dejo con el canal de Youtube de Shane Hurlbut, un director de fotografía americano que emplea su canal para divulgar conocimientos sobre cinematografía a través de las diferentes pruebas que realiza con diversas cámaras, lentes e iluminaciones. Para aquellos que sepáis inglés, también efectúa amenas e interesantes observaciones durante los vídeos que nos permitirá comprender mejor lo que estamos viendo.

 

The Grand Overlook Hotel

Un brillante vídeo mashup ha juntado El resplandor de Stanley Kubrick con El Gran Hotel Budapest de Wes Anderson y el resultado no podría ser más sorprendente.

Gracias a la obsesión que tenía Kubrick y la que mantiene Anderson por el encuadre, Steven Ramsden, editor del vídeo, ha logrado construir un coherente tráiler que podría pasar por una nueva adaptación de la obra de Stephen King.

Fuente: Slate

Animus criticandi: Mad Max: Fury Road (2015)

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Uno siempre es escéptico cuando se anuncian nuevos reboots de sagas conocidas o de cintas icónicas con su pequeño espacio en la historia del cine. El anuncio de una nueva entrega de Mad Max, tras años de rumores, me despertaba dudas sobre el resultado final, ni siquiera saber que George Miller, el mismo director de las tres entregas anteriores, tomaba las riendas logaraba calmar mis dudas, sobre todo teniendo en mente el bajón de calidad que supuso Mad Max III: Más allá de la cúpula del trueno (1986) frente a las dos primeras. Estos prejuicios han mutado tras el visionado de Mad Max: Fury Road, la mejor entrega de la saga y un blockbuster ejemplar.

La base del argumento es bastante similar a Mad Max II: The Road Warrior (1981). Max Rockatansky (Tom Hardy) que continúa sobreviviendo en solitario, tras una serie de sucesos, se encuentra con un grupo de personajes, en este caso mujeres confinadas a la reproducción y recluidas en la ciudadela gobernada por el tirano Imortan Joe y encabezadas por Imperator Furiosa (Charlize Theron), intentarán escapar de la ciudadela hacia un lugar mejor. A pesar de la misantropía y el carácter solitario de Max las situaciones le obligarán a colaborar con esos personajes.

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Esta epopeya se desenvuelve en un ambiente puramente madmaxiano, permitidme la expresión, es decir, persecuciones a través de las tierras desiérticas y baldías, conduciendo vehículos gigantes con enormes motores V8 a toda velocidad, carrocerías modificadas de manera grotesca, explosiones, pesonajes desagradables y mentalmente inestables, accidentes, violencia… Todo los códigos de Mad Max pero elevados a la enésima potencia. Mad Max: Fury Road transmite la sensación de ser lo que siempre quiso realizar George Miller pero el presupuesto y los medios técnicos no se lo permitían. Estamos ante un universo expandido, no es una simple continuación, sino que ofrece una visión más amplia de lo mostrado en anteriores entregas, con un ambiente invadido por la locura y mucho más degradado.

El guión demuestra una solidez sorprendente para este tipo de género, no hay una profusión en los diálogos con la idea de desarrollar los personajes y que el progreso de la trama se produzca a medida que avanza la acción que tiene lugar en la pantalla, como la propia persecución. Está tan bien pensado que convierte la fuga que realizan Imperator Furiosa junto con Max, y sus dementes perseguidores encabezados por Inmortan Joe, en un escenario más de la película con el objetivo de emplazar la acción entre todos esos impresionantes vehículos.

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El veterano George Miller demuestra una pericia envidiable para filmar este tipo de películas, que son difíciles, dando una lección a las nuevas generaciones de cómo se debería filmar cine acción de espíritu artesanal combinado con un gran presupuesto. Lo logra gracias a una puesta en escena soberbia, llena de brío, marcado por el ritmo de la amenazante «score» de Junkie XL; siempre en movimiento, casi todo rodado en escenarios reales y sin el predominio de los efectos digitales sobre lo que la cámara está filmando, pero inteligentemente integrados y reservado en las tomas que son imposibles para los especialistas.

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Tanto Charlize Theron como Tom Hardy cumplen con creces sus respectivos papeles y demuestran química entre ellos  -a pesar de los conflictos que mantuvieron durante el duro rodaje- . Hardy, parco en palabras y escueto en gestos, homenajeando al Max de Mel Gibson y Charlize Theron como Imperator Furiosa capaz de robar protagonismo a Max durante buena parte del metraje.

FURY ROAD

Desde su estreno, ha surgido un debate sobre la temática y la supuesta militancia feminista de Mad Max: Fury Road, con las habituales polémicas estúpidas. Es cierto que la mujer tiene un peso clave en la historia y está reflejada como el contrapunto a unos hombres degradados, dementes, gobernando un mundo arrasado y que llevan la muerte consigo; en cambio, ellas son capaces de dar vida y han estado sometidas a Inmortan Joe y a sus esbirros, todos hombres, por eso toman la arriesgada decisión de huir en busca de un lugar mejor. No voy a profundizar en el tema de la polémica, porque es una crítica y no un artículo sobre un tema concreto de la película, solamente diré que, cuando la veáis, observaréis un discurso mucho más universal de lo que parece: no deja de ser la historia de un grupo de seres humanos huyendo del terror y la opresión hacia un lugar más libre donde reine la esperanza, en un mundo que carece de ella, todo ello sin traicionar el espíritu de Mad Max. Podría haber introducido esos aspectos con la intención de modernizar su universo de cara a la galería, pero no, cobra todo el sentido del mundo dentro del film. Incluso es interesante que un blockbuster multimillonario incite a este tipo de debates y se aproxime a la historia desde una óptica diferente.

Seguramente os preguntaréis, ¿y lo menos bueno? Pues aunque anteriormente no haya remarcado los errores o lo que me disgusta, no lo considero tan relevante porque la saga Mad Max nunca ha aspirado a ser una serie de películas perfectas y esta última entrega tampoco lo pretende. Continúa apostando por el montaje, deliberadamente, atropellado, tosco y que combina aceleración y ralentización de las imágenes, o ciertas soluciones visuales que no son las más adecuadas. De todos modos, no empañan una sobresaliente y espectacular cinta de acción que merece ser vista en la pantalla más grande posible.

El palmarés de la edición número 68 del Festival de Cannes

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Hace apenas una hora ha finalizado el Festival de Cannes 2015 y la Palma de Oro es para Deephan, el film francés de Jacques Audiard, decisión que ha generado controversia entre la crítica cinematográfica.

El galardón a mejor guión es para el mexicano Michel Franco por Chronic; mientras, la mejor dirección recae en el cineasta taiwanés Hou Hsiao-Hsien por The Assasin.

Los premios interpretativos han sido para Vincent Lindon por La loi du marché y Rooney Mara, Carol, compartido con Emmanuelle Bercot, Mon roi.

Son of Saul, del húngaro László Nemes ha obtenido el premio de la crítica internacional, FIPRESCI. El Premio del Jurado recae en el filme griego The Lobster, Giorgos Lanthimos.

Sección Oficial

Palma de Oro: Dheepan, de Jacques Audiard.

Gran premio del jurado: Son of Saul, de László Nemes.

Premio del jurado: The lobster, de Yorgos Lanthimos.

Mejor dirección: Hou Hsiao Hsien, por The assassin.

Mejor actor: Vincent Lindon por La loi du marche.

Mejor actriz: Ex aequo: Emmanuelle Bercot por Mon Roi y Rooney Mara por Carol.

Mejor guión: Chronic, de Michel Franco.

Un Certain Regard: Rams, de Grímur Hákonarson.

Cámara de Oro

Mejor ópera prima presentada en la 68ª edición del Festival de Cannes: La tierra y la sombra, de César Augusto Acevedo.

Cortometrajes

Palma de Oro al mejor cortometraje: Waves’98, de Ely Dagher.

 

Fuente: Lashorasperdidas

 

La secuela de Blade Runner ya tiene director de fotografía, Roger Deakins

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A comienzos de este año se anunciaba el director para la temida secuela de Blade Runner (1982), el canadiense Denis Villeneuve convertido en uno de los realizadores más prestigiosos del momento.

El director de fotografía Roger Deakins,12 veces nominado al Oscar y un referente para la cinematografía contemporánea, se suma al reboot de Blade Runner alcanzado su tercera colaboración con Villeneuve (Prisioners (2013) y, la más reciente, Sicario (2015), en estos momentos compitiendo en el Festival de Cannes).

Además, se rumorea que Ryan Gosling está en negociaciones para incorporarse al reparto, que por el momento solo incluye a Harrison Ford en el personaje de Rick Deckard.

Con estos fichajes tan acertados parece que intentan calmar los ánimos del público, me incluyo entre ellos, que se posicionaba en contra de realizar una secuela de un título clave del cine de ciencia-ficción.

El comienzo de la filmación está previsto para el verano de 2016. El guión vendrá firmado por el co-autor original Hampton Fancher y Michael Green, sobre una idea del propio Fancher y Ridley Scott, situado décadas después de la conclusión del filme de 1982.

Fuente:

Variety (1)

Variety (2)